Надо сказать, что современная наука не сильно расходится с теорией Платона, выделяя схему из четырех основных этапов творческого процесса, которая является современной классификацией периодов творческой деятельности. Первый этап – подготовка. Это время, когда человек, художник занят сбором информации – не обязательно исследовательской деятельностью, это может быть творческая поездка или любое другое мероприятие, позволяющее творцу «накопить материал», как фактический, так и эмоциональный. За подготовкой (накоплением) следует инкубация – время анализа и осмысления «накопленного», время работы над набросками, эскизами и этюдами. Затем, постепенно или внезапно, но в сознании художника формируется основная идея будущего произведения. Этот момент - когда человеку нестерпимо хочется творить, визуально выразить свою идею и является третьим этапом и называется вдохновением (озарением), после которого наступает собственно акт творения, четвертый и решающий этап – воплощение. Не стоит забывать, что сам процесс создания самостоятельного художественного произведения, его оформление часто является результатом большой, напряженной, сосредоточенной работы и кропотливого труда.

Таким образом, создавая новые, никогда ранее не существовавшие объекты, художник, помимо своих профессиональных знаний и умений буквально вкладывает в них некоторые аспекты своей личности, выражая, таким образом, свою душу, субъективные взгляды, принципы и убеждения.

Одним из необходимых условий существования и развития художественного творчества является свобода критики, творческих дискуссий, обмена и борьбы мнений - само выдвижение новых идей предполагает выход за рамки ранее сложившихся и уже ставших привычными теорий и связанных с ними методов, критическое отношение к традиции. Неслучайно, новое искусство, зачастую представляет собой творческое переосмысление и анализ методов и изобразительных традиций предыдущих течений и направлений.

С другой стороны, художественная деятельность всегда рассматривалась еще и как одна из высших форм духовного освоения мира. Ведь её важнейшей отличительной особенностью является чувственно-образный характер: основной материал, с которым работает художник, это образы и эмоции, а потому и адресатом воздействия искусства выступает не столько разум, сколько эмоции и чувства человека.

Творчество, – как утверждает известный русский филосов С.Н. Булгаков, – требует для своего существования двух условий: наличности, во-первых, замысла, свободы изволения и, во-вторых, мощи, свободы исполнения» [Булгаков, С.Н. Сочинения : в 2 т. / С.Н. Булгаков. – М. : Наука, 1993.с. 156]

Свобода творчества является принципом, благодаря которому создатель художественного произведения имеет полную свободу в выборе своего творчества, темы, предметов для описания, может использовать какие угодно изобразительные и художественные средства, которые отвечают достижению избранного им творческого замысла. Она трактуется как одно из проявлений фундаментального принципа свободы слова, который подразумевает возможность каждого свободно высказывать свои мысли.

Художник не может творить без свободы действий и возможности выразить свой внутренний мир так, как он этого хочет. Искусство держится блага произведения — не блага человека. Первая ответственность художника есть ответственность перед своим произведением.

Но, с другой стороны - если художник творит, то он должен понимать, что может его творчество принести обществу — пользу или вред, и на какую публику его работы ориентированы.

Зритель, его художественное восприятие, завершает цепочку «подготовка - инкубация-озарение - воплощение». В искусстве коммуникативный процесс этот протекает по законам художественного общения и его завершающее звено в известном смысле есть и изначальное. Художник осмысляет мир в свете цели своего творчества - того или иного воздействия на зрителя, а зритель осмысляет творчество художника, исходя из собственного опыта взаимодействия с окружающим миром, зачастую наделяя произведение искусства своим собственным прочтением, придавая ему таким образом новую, отличную от задумки автора художественную ценность.

Картина как конечный результат труда художника, некий материальный объект, разумеется, обладает плоскостью – это можно понять, взяв ее в руки. Однако для того чтобы увидеть картину как произведение искусства, необходимо смотреть на нее, отступив назад. Сделав это, зритель перестанет ощущать плоскость картины как нечто материальное, а саму картину – только как некий объект, предмет обстановки. Только отойдя от нее и сосредоточив внимание не на оформлении, весе и прочих физических характеристиках работы, а на ее сюжете, зритель сможет воспринять ее художественную ценность.

Вплоть до начала XX века само собой разумеющимся считалось, что живопись – это «зрительное искусство» и что художник – это почти ремесленник, человек, пользующийся глазами и использующий руки только для того, чтобы записать то, что увидели его глаза.

Однако, с развитием науки и многочисленными открытиями в области исследования света и цвета и их восприятие человеком, стала очевидна вся ошибочность такого суждения – во-первых, человек пишет руками, а не глазами а во-вторых, переживания зрителя, смотрящего на картину, – это вовсе не чисто зрительские переживания. Ведь человек, глядящий на картину, не просто видит сочетание красочных пятен, форм и фигур – в воображении он движется между изображенными зданиями, деревьями, и тд.

Как сказал Р. Дж. Коллингвуд. В книге «Принципы искусства», «ценность всякого произведения искусства для зрителя, соответствующим образом подготовленного для восприятия подобных произведений, состоит не в очаровании чувственных элементов, из которых на самом деле состоит произведение искусства, а в очаровании воображаемых ощущений, возбуждаемых упомянутыми чувственными элементами. Итак, произведения искусства служат только одной цели; эта цель – тот всеобщий опыт воображения, который они дают нам возможность пережить».

Интересно, что восприятие и содержание произведения искусства в разные эпохи, и в разными группами зрителей может отличаться довольно серьёзно. Ведь то, как мы видим и реагируем на ту или иную картину зависит не только от психологических, индивидуальных эмоциональных особенностей, но и от эпохи, исторической или политической ситуации вокруг, и даже от национальной культуры, сквозь призму которой мы воспринимаем окружающий мир.

Субъективные аспекты восприятия произведения искусства определяются индивидуальными особенностями, присущими каждому человеку - его способностями, фантазией, памятью, личным опытом, запасом жизненных и художественных впечатлений, культурной подготовкой, то, что он пережил лично и что узнал из книг, почерпнул из других областей искусства.

Вообще, с точки зрения психологии, художественное восприятие имеет три временных плана: настоящего (непосредственное, сиюминутное восприятие изображенного на полотне), прошлого (непрерывное сравнение с уже виденным, причем этот аспект восприятия может усиливаться также домысливанием событий, предшествующих изображенным) и будущего (предвосхищение на основе проникновения в логику движения художественной мысли дальнейшего ее развития: представление о последействии, развитии сюжета за пределами холста).

Наслаждение искусством — результат преодоления его условности, узнавания реальности в изобразительном ряду произведения. Немало произведений искусства изначально создаются именно с расчетом на степень сложности преодоления этой условности. Так, элитарное искусство нарочито трудно узнаваемо и стремится доставить максимум наслаждения минимуму подготовленных зрителей за счет затрудненного узнавания реального в художественном. При этом художник может превратить свое произведение в ребус или даже намеренно обессмыслить его. В искусстве, принадлежащем к массовой культуре, степень условности небольшая. Оно не требует сверхинтеллектуальных усилий для своего понимания благодаря простой узнаваемости образов и форм, их сличимости с реальностью. Такое искусство общезначимо и общепонятно - оно призвано доставить минимальное наслаждение максимальному числу возможных зрителей. Задача художника, если он ставит своей целью добиться широкого признания публики, не утратив эстетической и новаторской ценности своих произведений нивелировать эту, зачастую неизбежную для искусства, противоположность между элитарностью и массовостью.

История искусства говорит нам, что в этой ситуации у художника, желающего выйти за границы элитарности, по существу, лишь два варианта – пойти на уступки и изменить свою манеру, художественный почерк, приблизив этим свое искусство к народу, или надеяться, что это проделает само время, приблизив народ к высокому искусству и предоставив следующим поколениям по достоинству оценить его творчество.